fleming 4

manolo bernal

2012-01-08T11:13:00.000-08:00

Desde tiempos remotos, nuestros ancestros creían en pequeños seres sobrenaturales con poderes mágicos a los que llamaron Hadas, perdurando dichas tradiciones en nuestra cultura.

En Aragón se las llamaron Fades y es un ser femenino de gran poder, relacionada con los bosques, el agua y las cuevas. Según las zonas también se las llamó: Mora, Encantaria, Lavandera o Laina.

Durante mis paseos por el Pirineo aragonés me gusta pensar en que estos diminutos seres antes de ser descubiertos corren a ocultarse y se transforman en árboles o plantas. Las hay fuertes y vigorosas que dan vida a los bosques, otras mucho más coquetas se transforman en las más variadas y coloridas flores. Muchas son alegres e inquietas y no dejan de bailar a la menor brisa, otras disfrutan bañándose en las frías aguas de los ibones y manantiales del Pirineo.

Las hay tímidas que se esconden en la umbría de los bosques, también las hay que disfrazan su peligro detrás de una gran belleza, algunas para ocultarse ascienden a los riscos de las más altas cimas o se aferran a las deslizantes gleras, las hay que muestran su genio enseñando sus espinas, y están las más bonachonas que viven para ser pasto para el ganado.

Pero todas ellas tienen algo en común, no se dejan fotografiar con facilidad. Hay días que cuando las encuentras no están de humor y no permiten que les robes su alma. Tienes que volver una y otra vez hasta que dan su conformidad y ese día posan esplendorosas.

¿Crees en las Fades? Confío en que sí y deseo que en este paseo que te invito a dar por la flora pirenaica aragonesa te acompañen y con un poco de suerte las puedas ver.

ARTEX100MOTIVOS

2011-11-14T13:31:00.001-08:00

25 DE NOVIEMBRE,

20 HORAS INAUGURACIÓN

Desde el primer día de exposición
están a tu disposición una estimable
colección de obras de arte de distintos
autores y tendencias.

HEMOS RECORRIDO UN LARGO

CAMINO...

...PARA LLEGAR A ESTO

....Y A LA PRIMERA VENTA

...Y LAS SIGUIENTES

NO TE DESCUIDES...
EL PROYECTO ESTA EN MARCHA

Las tarjetas, que son expuestas en su totalidad desde
el inicio de la muestra, podrán ser retiradas a medida que

vayan siendo solicitadas por las personas que desean

adquirirlas y su valor económico irá oscilando a lo largo

del período de exposición:

30 € desde la inauguración el viernes 25 de noviembre

hasta el domingo 4 de diciembre,

20€ las dos semanas posteriores desde el lunes 5 de

hasta el domingo 18 de diciembre y

10 € la última semana del lunes 19

al domingo 25 de diciembre

Si eres coleccionista o amante del arte…

El encanto de este proyecto reside en que te llevarás a casa,
si así lo deseas, una pieza de creación para seguir disfrutando
de su contemplación y al mismo tiempo sorprenderte con el
placer de descubrir a su autor, su relevancia, su trayectoria
pasada y futura. Explorar para averiguar si tu tarjeta es un trabajo
preparatorio o estás motivando al creador a seguir una nueva
línea de trabajo, te hace formar parte –de una u otra manera- de
este proceso de creatividad.

  Esta iniciativa tiene otra dimensión: el juego. Jugar a reconocer.

  El valor de las tarjetas es menor según transcurren las fechas,
lo que permitirá adquirir piezas con donaciones muy bajas, pero
las obras más atractivas irán desapareciendo de la Sala conforme
sean adquiridas y, por tanto, la apuesta se vuelve más arriesgada
los últimos días.
  Aunque, quién sabe, siempre puede quedar algún tesoro perdido
que nadie antes haya sabido encontrar.

  Sin embargo, lo más importante, es que tengas en cuenta que

con tu contribución estarás dando un respiro a proyectos que,

sin la ayuda de personas como tú, tendrán que salvar muchos

obstáculos para lograr sus fines o su continuidad

ESTOS SON LOS ARTISTAS
QUE HAN DONADO SU OBRA Y
HAN HECHO POSIBLE ESTE PROYECTO

ACACIA PEREZ
ALEKSANDAR EFTIMOUSKI
ALEXANDER CARBALLO
ALFONSO GONZALEZ
ALICIA MARTIN
ALVARO BLASCO
ANFETAS
ANGEL BUENO
ANNA SANZ
ANTONIO CALLAVED
ASUNCIÓN LAZARO
BEA PADRÓN SÁNCHEZ
BELEN ATUÉ
BELEN DENIZ MARTIN
CARLOS CAPAPEY
CARLOS CEBRIAN
CARMEN MARCUELLO
CESAR BUENO
CLARA BURILLO
CONSUELO CALVO
DAVID FUENTE
DAVID MOLIENTE
DIEGO GIMENEZ
ELENA ARDANAZ
ELISA MUÑOZ
EMILY NUDD MICHELL
FELIPE VALERO
FRANK MORENO
GENARO VILLALBA
GONZALO AGUILAR
INMACULADA MARTIN
ISABEL SUAREZ
ISRAEL MARZAL
JESSICA SALAS MARTINEZ
JESUS MOLINA
JOSE LUIS SOLER
JULIO CASADO
LEIRE BERNAL
LIDIA CEBRIAN
LUIS SANCHEZ
M. LEHRUM
MANEL MONGE
MANUEL BERNAL
MARIA GREGORIO
MARIA PEÑA
MARINA SAMPER
MIGUEL ANGEL OLIETE
MIGUEL AVELLANO
MIGUEL HORNO
MIGUEL MARTINEZ
Mª LUISA POMAR
NANA ABENOZA
NEREA MARTÍN
OMAR GARCIA
PAULA CALAVERA CANDELA
PEPE CERDÁ
PEPITA DE PERA
PILAR BEGUÉ
PILAR CONDE ARANDA
PILAR LÓPEZ BORJA
PILAR LÓPEZ ROSELLÓ
PILAR MONTAÑES
PILAR RUIZ
PILAR SUBIRÁS
PISSOCA
RAFAEL MARZAL
ROSA LAMARCA
ROSINDA NUEZ
SAMUEL HERNÁNDEZ RODRÍGUEZ
SERGIO SANDE
SETASYSITIOS
SOLEDAD MOLINA
SOLEDAD MOLINA GONZALEZ
TERESA CHILLIDA
TERESA PEÑA
VENTURA RAMOS
VICTOR LAFUENTE
VIRGINIA LÓPEZ DE LLANO

PEPE CERDÁ

2011-10-02T11:27:00.000-07:00

Pintor aragonés de gran prestigio internacional.

Nos muestra su apoyo con una próxima exposición.

De la "cosa mentale ", de "la cosa sensuale" y de la pintura.

Cuando Leonardo escribió aquello de que la pintura es “cosa mentale” seguro que no imaginó las vueltas que a esta frase se le iba a dar en los siglos siguientes a su muerte. Seguro que de haber sido consciente de la gravedad de la afirmación la hubiese matizado más: hubiese dicho, quiero pensar yo, que sí, que es cosa” mentale” pero aún más “sensuale”. Que si sólo es “sensuale”, no sirve, que si sólo es “mentale”, tampoco. Que el pensamiento sin acción lleva a la locura; que la acción sin pensamiento a la estupidez. Que del mismo modo que el funabulista se deja llevar por encima del cable con la máxima concentración para que la locura de jugarse la vida no se convierta en un hecho fatal, el pintor se adentra en la grasosa y untuosa inexactitud de la pintura. Que cuanta más loca sea la aventura más cuerdo habrá de estar el aventurero.

Pero esto solo son especulaciones mías, Leonardo solamente sentenció que la pintura es “cosa mentale”, de lo “sensuale” no dijo nada y esto le sirvió de punto de apoyo, siglos más tarde, a Marcel Duchamp para decir que abandonaba la pintura por ser un asunto meramente “olfativo y retiniano” para concentrarse exclusivamente en la “cosa mentale”.

Pero a mi parecer, Duchamp nunca dejo de ser un pintor, como demuestra su última y secreta obra “el etant donné” que no es otra cosa, en esencia, que un cuadro renacentista moderno en el que el espectador está obligado a mirarlo, del mismo modo que se escudriña por el ojo de la cerradura, a través de dos agujeros que reproducen el efecto de la perspectiva cónica central de los cuadros clásicos.

Quiero pensar que del mismo modo que sólo se puede estar despierto si se ha dormido antes, sólo la pintura puede ser “mentale” cuando es “sensuale” y al revés.

A la pintura le pasa como al tiempo, el sabio Agustín de Hipona sentenció al respecto:

“-Me preguntáis qué cosa es el tiempo. Si lo pienso no lo sé, más si no lo pienso lo sé”.

Lo mismo ocurre con la pintura, yo no sé decir qué cosa es si se me pregunta, ahora bien si no se me pregunta, lo sé perfectamente. Pocas cosas hay más evidentes para los ojos de un pintor que la pintura misma, del mismo modo que evidente es el paso del tiempo. Podríamos decir, también del tiempo que es “cosa mentale”, y cierto sería, pero no sería menos cierto decir que el paso del tiempo se siente en la carne y que la medida del mismo, más que los minutos, los segundos y las horas, es la profunda angustia vital que su transcurrir nos provoca.

El asunto, es a mi parecer, que el ser humano cree saber cosas que en realidad las siente; y cree sentir cosas que en realidad las sabe. Que el ser humano, esencialmente, no es sino un mono confundido y erecto que gusta de complicar lo sencillo y simplificar lo complejo.

Mi amigo el profesor y escritor Carlos Castán me contó que uno de sus alumnos de sus clases de Filosofía en un instituto de Huesca, un día, en plena explicación sobre los sofistas le espetó con un marcado acento rural de la parte de Huesca:

“-Eso da filosofía non vale más que pa matate a cabeza”

Y mi amigo Carlos no pudo quitarle la razón a su alumno.

PEPE CERDÁ

http://pepe-cerda.blogia.com/2011/090401-de-la-cosa-mentale-de-la-cosa-sensuale-y-de-la-pintura..php

MIRIAM CABEZA

2011-09-18T09:54:00.000-07:00

DERIVA

Descenso al Maelstrom

"-Hasta no hace mucho tiempo -dijo, por fin- podría haberlo guiado en este ascenso tan bien como el más joven de mis hijos. Pero, hace unos tres años, me ocurrió algo que jamás le ha ocurrido a otro mortal... o, por lo menos, a alguien que haya alcanzado a sobrevivir para contarlo."

(Descenso al Maesltrom, Edgar Allan Poe)

Primero gira la cabeza a su derecha, luego a su izquierda. Sigue avanzando. La intuición y el recuerdo la van guiando. Comienza a reconocer lo que encuentra ante su mirada, escenas que conectan directamente con su memoria. Sin previo aviso planta bruscamente sus pies en la tierra. Levanta su brazo por encima de su cabeza. Fija un punto de atención y ¡ZAS! … Sigue Avanzando.

La artista Miriam Cabeza se adentra en la jungla visual machete en mano, avanzando por la espesura de la imagen, en un heroico gesto por abrir(se) el camino. En su mente la idea fija de orientarse. Sus dibujos y pinturas exhibidos funcionan tanto como trofeos de sus andanzas arrancados de la misma jungla, como cartografía y registro de su propia deriva salvaje.

Las obras mostradas pretenden constituirse como el montaje narrativo de una escena la cual no se puede entender, porque le es intrínseco ser ininteligible. Son fragmentos robados a la cultura visual moderna, un mare mágnum de imágenes que convierte todo intento de navegarlo en un probable naufragio. Y cuando un marinero se encuentra a punto de ser absorbido por el Maelstrom sabe que o bien se queda en su barco expectante ante su propia tragedia, o bien se tira al mar y nada a contracorriente, intentando salvar su vida. Miriam Cabeza decide dar el salto de la posición de mero espectador del flujo de imágenes contemporáneas a inter-actuar con ellas, como narradora de un posible relato o como archivadora de los acontecimientos. Las imágenes rescatadas de ese remolino en el que se ha convertido la experiencia visual moderna son puestas en situación, en su conjunto constituyen una instalación que la artista misma llama escenografías. Y esto es lo que son, la puesta en escena, simplemente un montaje, una sucesión de imágenes dispares que fingen contar una historia a través de la correlación entre ellas, sus mensajes ocultos, su mezcla y ensamblaje. A través de la pintura, como medio de la imagen, Miriam Cabeza arma relatos actuales que hablen del ahora y evidencie las mitologías contemporáneas.

"Les conte mi historia... y no me creyeron. Se la cuento ahora a usted, sin mayor esperanza de que le dé mas credito del que le concedieron los alegres pescadores de Lofoden"

(Descenso al Maelstrom, Edgar Allan Poe)

Arístides Santana

NAYRA RODRIGUEZ

2011-08-26T10:28:00.000-07:00

PAISAJE EN CONSTRUCCIÓN

El modelo del "Desarrollo" occidental de los últimos siglos desde la fase de la industrialización en el siglo XVIII a la fecha no sólo ha producido una expansión tecnológica aceleradísima en el campo material de la vida, sino que también ha generado una profunda destrucción de nuestros ecosistemas y entornos humanos de existencia. De esta forma, paralelamente a la expansión del confort de la vida moderna, hoy experimentamos la existencia de una acentuada mentalidad ecocida que se concretiza en la presencia de masivos comportamientos humanos rapaces sobre la naturaleza que no tienen límites, ni proporción para destruir. En este sentido, podemos afirmar que "la rapacidad productiva se ha vuelto la condición del progreso, al grado que el gran desarrollo industrial se basa en la exquisitez que ha alcanzado esta función. En esencia, hoy ya hemos sido capaces de destruir hasta la esencia misma de la materia: El átomo".

En resumen, podemos decir que al final del siglo XX hoy experimentamos a nivel planetario la ruptura más profunda de la relación entre hombre-naturaleza que se ha dado en toda la historia de la existencia humana.

Por Dr. Javier Esteinou Madrid

El pensamiento ambiental y la construcción de una filosofía que incorpore la dimensión ambiental han adquirido presencia en el ámbito de la reflexión contemporánea, como una alternativa al paradigma reduccionista y cientificista del pensamiento moderno. El Pensamiento Ambiental se constituye como la construcción teórica, inter y transdisciplinaria, que cruza de manera transversal y compleja la totalidad de las disciplinas, profesiones y prácticas cotidianas de la cultura, con el fin de construir conceptos, valores, símbolos y prácticas científicas y tecnológicas que transformen las tramas de la cultura en la urdimbre de la naturaleza hacia una sociedad ambiental que se asuma como naturaleza y que, por lo tanto, pase de una actitud de dominio, a una actitud de respeto por la vida como plétora de alteridades y de la cual, la especie humana es un hilo que participa del tejido de esa trama

El hombre ha ocupado y sigue ocupando progresivamente ese medio en que vive —su medio ambiente— y tal ocupación cambia la faz de la Tierra y transforma la composición de la Biosfera, no sólo mediante una acción directa de modificación, sino también por la vía de los desechos que la civilización humana y sus modos de vida generan.

No es una novedad afirmar que el tema ambiental condensa y expresa crisis de lo imaginario social, en la cultura occidental capitalista. Por lo tanto, la urgencia de tal desafío exige la construcción de una nueva interlocución entre el hombre y la naturaleza.

La exposición representa una colección natural de las especies que quedaran en un futuro, una sesión de hojas y paisajes futuros donde se reconstruirá el medio ambiental. Los dibujos tendrán una espontánea acción que el tiempo y los accidentes ejercen sobre cuadros y soportes, ya que las hojas adquieren una transformación autónoma, cambiando de color, cobra una textura especial, el juego de las microbacterias está previsto y es enriquecedor, manchas que se modifican, evolucionan o mutan.

formación académica

Bachillerato artístico en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Las Palmas.

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna.

En 1998 asiste al “Primer Simposio Canario. Lenguaje Gráfico y Lenguaje Plástico”.

En el 2000 asiste al curso “Taller Rex: La intersubjetividad en el arte a favor de la recuperación del sentido”.

En el 2001 a las “Primeras jornadas sobre la protección de los bienes culturales”.

En el 2002 asiste a las “II jornadas sobre la protección de los bienes culturales”.

En el 2003 asiste al seminario “El mercado del arte en Canarias: estado actual y perspectivas”.

En el 2004 al curso “Conservación y restauración de soportes lígneos”.

En el 2004 al curso “Técnicas fotográficas aplicadas al estudio de la obra de arte: conservación – restauración”.

exposiciones colectivas

2000 “Revisión del arte religioso”. Seminario Santo Tomás, La Laguna (Tenerife).

2001 “III Certamen Arte Joven de Santa Cruz de Tenerife”. Sala de Arte Los Lavaderos.

2002 “Certamen regional de pintura de Arona”. Casa de la cultura de los Cristianos, Tenerife.

2004 “Bienal de arte de Santa Cruz de Tenerife” .Sala de arte “La Recova”.

2005 Exposición de carteles de carnaval en la casa de la cultura de Agüimes, Gran Canaria.

2006 Exposición colectiva del “13º Premio de Pintura Ciudad de Las Palmas de Gran Canaria”, en el Museo Néstor”.

2007 Exposición colectiva del “14º Premio de Pintura Ciudad de Las Palmas de Gran Canaria”, en el Museo Néstor”.

2008 Exposición colectiva de “15 Premio de Pintura Ciudad de Las Palmas de Gran Canaria”, en el Museo Néstor”.

2009 Exposición colectiva de “16 Premio de Pintura Ciudad de Las Palmas de Gran Canaria”, en el Museo Néstor.

2011 Exposición colectiva de “18 Premio de Pintura Ciudad de Las Palmas de Gran Canaria”, en el Museo Néstor.

exposiciones individuales

2008 “ Paisaje en construcción”. Fundación Mapfre Guanarteme, sede Arucas, Gran Canaria.

2011 “Paisaje en construcción “. Casa de la cultura de Moya, Gran Canaria.

2011 “Paisaje en construcción” . Sala de arte Fleming 4, Puerto de la Cruz.

premios y colecciones

2008 Accésit del “15 º Premio de Pintura Ciudad de Las Palmas de Gran Canaria”.

COLECCIONES

Fundación Mapfre

Ayuntamiento de Moya

INES PEÑA

2011-07-07T12:20:00.000-07:00

El laboratorio de Hera

En el Huerto de Hera, Jardín de las Hespérides, se encuentra el árbol de las manzanas doradas que otorgan la inmortalidad.

En la exposición se muestran tres series fotográficas con claros referentes de la historia del arte. Objetos y alimentos que se representaban en alacenas oscuras sirven para entablar un diálogo con el presente.

Al actualizar las metáforas se nos muestra un mundo lleno de apariencias con la única pretensión de mantenerse vivo para siempre.

CARLOS NAVARRO

2011-06-08T19:06:00.000-07:00

"Echando el cierre, sin saber cuando se abrirá" muestra la culminación de un proyecto artístico de intervención en el espacio público, que tiene como base el graffiti y algunas de sus derivaciones.

Principalmente la creación de diferentes soportes plásticos permite trasladar a la calle una serie de iconografía concreta que se utiliza como puente para interactuar con el público, en este caso el peatón, bombardeado constantemente por una serie de imágenes cotidianas impuestas por el capitalismo, quedándole como único la búsqueda estética y material.

El artista desarrolla unas estrategias comunicativas con las que va generando unas rarezas visuales, imágenes sin sentido, y aprovecha espacios temporales efímeros de comunicación, con lo que consigue, o no, espacios de reflexión que al mismo tiempo, forman una conexión entre ellos que ponen en evidencia la propia retícula de la ciudad.

Carlos Navarro

FRANK MORENO

2011-05-13T13:05:00.000-07:00

LA MIRADA PROFUNDA

Las imágenes que aquí se exponen pertenecen a un viaje a lo largo de la geografía humana; retratos de ciudades y de vidas cotidianas a través de sus gentes.

El contexto no es otro que la mirada profunda y cómplice de Frank Moreno que ha

sabido captar con criterio y sensibilidad.

En la fotografía de Frank se respira miedo, riesgo, ternura y sensualidad. Con la rapidez de un maestro que no sacrifica la oportunidad de congelar un instante sin descuidar la composición, ni la luz.

Muchas de sus imágenes pertenecen a una sola exposición, con la única finalidad de capta su primera impresión del momento. De estilo periodístico y de estética de blanco y negro, hace que cada foto sea una intención, una lectura, algo más que critica social que trasciende de la imagen. Es el pensamiento profundo de la mirada que se apoya en la cámara para trasmitir un mensaje personal y humano.

La personalidad profunda, sensible, su calma al hablar, ese qué pensar antes de abrir la boca, lo trasmite Frank Moreno a su obra. Es por eso que sus fotos no se convierten solo en testimonio. Son fotos meditadas: expresión gráfica que encierra una intención y todo un mensaje de sensaciones. Por eso, su obra trasciende de la fotografía a la obra de

arte.

Antonio Cerpa

Formación Académica.

1987.- Estudios en Imagen y Sonido. Instituto Politécnico de S/C de Tenerife.

1992.- Estudios de Fotografía Escuela de Artes Aplicadas de S/C de Tenerife

Formación Complementaria.

1987.- Curso de Análisis de la Imagen en la Escuela de Verano. STEC.

1991.- Curso de Fotografía Creativa. Centro Insular Cultura de Gran Canaria.

1992.- Curso de Metodología y Tecnología para profesores de Fotografía. Universidad de Verano de Cabueñez. Asturias.

1993.- Curso de Formador de Formadores. I.N.E. M.

1993.- Curso de Retrato Artístico. Bienal de Fotografía. Tenerife

Experiencia Profesional.

1993-1995.- Técnico de laboratorio de Fotografía. Estudio Visor Fotografía. Tenerife.

1999.- Director de Fotografía en el Cortometraje “La Razón de la violencia”. Productora Postvisión. Tenerife.

Colaboraciones

1986-1992:

Departamento de Imagen del Centro de la Cultura Popular de Canarias. Tenerife.

Departamento de Cultura del Vicerrectorado de la Universidad de La Laguna.

Gabinete de Prensa de la Consejería de Sanidad y Asuntos Sociales. Tenerife.

1990-1992.- Colaborador en los Periódicos Canarios: Canarias 7, La Gaceta de Canarias, EL Día y Diario 16 (Madrid).

Docencia.

1986.- Curso de Iniciación a la Fotografía. Albergue de Santa Mª de Guía. Gran Canaria. (60 horas Lectivas).

1987.- Monitor de Fotografía en la Escuela Popular. Universidad Popular de La Guancha (300 horas Lectivas).

1989-1993.- Profesor Titular de Fotografía. Escuela Canaria de Animación y Tiempo Libre (1200 horas lectivas).

1994.- Monitor Curso de Fotografía. Excmo. Ayuntamiento de Arico. (80 horas lectivas).

1997.- Monitor del Curso de Fotografía “Mujer y Tiempo Libre”. Asociación Mercedes Machado. (100 horas Lectivas).

1998 Monitor del Seminario de Fotografía en las Jornadas de juventud Canaria. La Palma.

1999.- Monitor de fotografía en el V Encuentro de la Juventud Canaria. Fuerteventura.

2000.- Director del Seminario “Fotografía Artística”. Escuela de Arte Eduardo Westerdahl”. Tenerife.

Premios y Exposiciones

1986-1992.- Participación en varias exposiciones colectivas en Gran Canaria y Tenerife.

1992-1993.- Exposición Itinerante por Alemania. Proyecto tipico Atipico.

1991.- PRIMER PREMIO DE FOTOGRAFIA “Rincones Agrícolas” Organizado por A.T.A.N. y el Cabildo Insular de Tenerife.

1992.- INTERCAMBIO DE FOTOGRAFIA. Jóvenes fotógrafos Canarios Setúba Potugal

1992-1993.- INTERCAMBIO DE FOTOGRAFIA. "Programa la Juventud con Europa". Alemania-Tenerife. Coordinador del Intercambio.

1993.- PRIMER PREMIO DE FOTOGRAFIA. Concurso fotográfico del programa televisivo. ”Vía Libre”. Televisión Española en Canarias.

1994.- Representa a España en la exposición internacional JOVENES FOTÓGRAFOS EUROPEOS. Organizada por BRITES PETROLIO Y CEE.

1998.- PRIMER PREMIO DE FOTOGRAFIA. Certamen Nacional: "Cartas por la Accesibilidad de Albacete".

1999.- Exposición Miradas de Papel. Sala El Búho. La Laguna.

2000.- Exposición “Sin Palabras”. Sala Encuentro Latino. La Laguna.

2001.- Retrospectiva Sala de Exposiciones. Eduardo Westerdahl. La Laguna.

2002.- Finalista Certamen Nacional “Rafael Ramos”. Centro de Fotografía de Tenerife.

2003.- Finalista 1º Premio Regional de Canarias. Caja Canaria y Caja Insular de Canarias

2004.- Accésit 3º Premio Regional de Canarias. Caja Canaria y Caja Insular de Canarias

2006.- Primer premio Fiestas Populares Ayuntamiento de los Realejos.

2006.- Primer premio ARUCAS EN LA SOLIDARIDAD. Ayuntamiento de Arucas.

2006.- Publica en la revista LA FOTOGRAFIA ACTUAL. Nº 112

2007.- Accésit Certamen Nacional de Fotografía de la Plataforma de ONGS Española.

2007.- Certamen Nacional de Fotografía Derechos Humanos Ayuntamiento de los Realejos

2007.- Primer premio ARUCAS EN LA SOLIDARIDAD. Ayuntamiento de Arucas.

NOEMÍ ARROCHA

2011-04-15T14:46:00.000-07:00

Los procesos creativos de Noemi Arrocha van vinculados inequívocamente al material (piedra en su gran mayoría) y éste, al proceso y método de ejecución, enlazados en la tradición que tanto le influyen.

Como musa del proceso, el cuerpo femenino y sus formas, ligadas a las transformaciones físicas y mentales de la realidad de la misma. Estas partes de realidad, reaparecen en el mundo tridimensional desvinculado y descontextualizado de su lugar original, quedando en manos del observador. El fin es obtener una lectura completamente nueva del objeto, que queda en manos del espectador como un elemento a componer mediante su propia sensibilidad. Cierto es que para que exista una favorable lectura de la misma, aparecen símbolos que te ayudan a sentirla, aunque sea de forma fugaz, la intención será que a través de la lectura de sus símbolos le transporten a la forma original de la que partió.

Nada es casual, todo tiene un por qué, desde el modelo escogido para buscar la forma a desarrollar hasta el material (la mayor parte de la veces piedra), forman parte de un proceso externo e interno, en un continuo análisis de los procesos y las transformaciones, esencia del acto creativo. El resultado se descubre entre líneas sinuosas y delicadas, que se componen con efímeras y ligeras masas, que el espacio y la atmosfera, acaba por completar.

YAIZA HERNANDEZ

2011-03-18T12:59:00.000-07:00

Es casi inevitable sentirnos un poco “urbanitas”, participantes de un todo y a la vez de la nada. Inmerso en un ir y venir, en un incesante pasar el tiempo corriendo de un lado para otro, viendo cómo pasan las agujas del reloj, una y otra vez. Espectadores del transcurrir de los viandantes y de los acontecimientos que, inesperadamente, surgen espontáneamente a nuestro alrededor.

Son estos acontecimientos de nuestra vida cotidiana, los que me hacen fijar la mirada en algún objeto, persona o paisaje. En este caso; URBANITA, es un proyecto pictórico en el que trato de dar interés a una imagen real, como si se tratara de “pintura-periodística”. Subrayar pictóricamente detalles propios de la ciudad que pasan a un primer plano dándole carácter de retrato. Relatar pictóricamente una situación con mayor o menor importancia cotidiana o de impacto.

MAY SAN ALBERTO

2011-02-11T14:46:00.000-08:00

La artista May San Alberto presenta su nueva propuesta artística denominada Consecuencias en la que nos propone ir a la esencia mediante la composición de los elementos como fragmentos, como secuencias de una película que nos informa del todo sin necesidad de ver al completo el metraje capturado. La utilización de líneas o fragmentos intencionadamente heterogéneos deja libre al observador para imaginarse la personalidad del personaje, recrear el ambiente o hacer conjeturas sobre lo que ha ocurrido y sus secuelas.

Las obras exhibidas son una consecuencia, de ahí el título, de tres caminos diferentes. El primero es el artístico, ya que, las obras expuestas, son una vuelta hacia el interior de los collages aún nunca expuestos, del proyecto artístico Vidas paralelas. El segundo sendero es el de sus lecturas poéticas y, en concreto, de uno de sus libros de cabecera: Casi cien poemas de Luis García Montero, antología 1980 - 1998. El tercero es el del azar, que hizo que en su anterior exposición guardara frases propias y de otras lecturas, en sobres cerrados.

En esta exposición se muestran obras compuestas de fragmentos de imágenes y collages, a veces acompañados de planos de color o de segmentos abstractos, escoltadas por versos que a su vez son fracciones de poemas dentro de sobres lacrados. Los sobres contienen, versos escondidos que dan sentido y enriquecen la obra. Como ya ocurrió en su exposición anterior, los versos están ocultos. Sólo los podrán conocer las personas que decidan quedarse con una pieza de la exposición para que, una vez abran el sobre y lean el verso, decidan si quieren enseñarlo a otras personas o quedárselos para sí en una especie de territorio compartido sólo por ellos mismos, la obra, el poeta y la artista.

RAYCO MÁRQUEZ

2011-01-14T12:24:00.000-08:00

"CRASH"

La sala Fleming 4 acoge en esta ocasión

una exposición que habla sobre las distintas lecturas de

la noche contemporánea y su tensión estratégica

entre lo legal y lo jurídico,

entre lo ilegal y lo espontáneo,

constituyéndose como un teatro de primer orden,

un teatro de fantasmas.

La noche no es fácil, ni continua, ni eficaz.

No sólo es atmósfera, sino complejidad especifica.

Rayco Márquez

ARTEA1**

2010-12-10T15:04:00.000-08:00

Todo esta preparado para nuestro tradicional arte a 100 navideño

...y este año hay mucha expectativa, No os descuidéis si no queréis perder la oportunidad de encontrar una buena obra a precio de regalo...

ESTE ES NUESTRO CARTEL

Y ESTA NUESTRA PROPUESTA:

IRMA PEREZ GONZALEZ

BRIGITTE FASSIN

ALICIA MARTÍN

YUIO TOYS

HOSSEIN GHAVAEDY

CARMEN MARCUELLO

LUCIA BENCOMO

PABLO REQUENA

CRISTIAN SANCHEZ

ADRIÁN LEE MCLEAN

FANCIS VIÑA

2010-11-18T07:04:00.000-08:00

PRIMORDIO

Primordio es el final y el principio, el rudimento vegetal que inicia y concluye un ciclo infinito en la semilla, desarrollo complejo que estructura la espermatófita de manera singular en cada caso.

Primordio natural que designa eternamente el renacer, configurando el volumen en el espacio universal. La dimensión se vuelve llena, ocupada por las claves secretas que cada organismo encierra en su rudimento seminal. Atrapados en un ciclo sin fin, surge la inspiración para llevar a cabo la estructura de su propio soporte de vida, armazón lígneo, malla diseñada y pensada previamente por no se sabe quién, o qué. El interior de un receptáculo aúna todos los ingredientes para generar una nueva vida, una nueva escultura. Ésta representa instantes del ciclo, secuencias de un proceso enigmático que forma parte de la esperiencia plástica personal.

Nada es lo que uno piensa, sólo la materialización de la idea conforma el objeto tridimensional y roba al espacio su existencia.

Francis Viña

Primordio. De regreso a la tierra

Es difícil imaginar que de las tripas de este viejo taller de ebanistería, atestado de maquinarias, antiguas plantillas trazadas con lápiz sobre cartón y un sinnúmero de modelos de patas torneadas para futuras mesas que ya nunca se construirán, surjan las obras de Francis Viña. Pero esta imagen del taller heredado de su padre, intacto, tal y como él lo dejó antes de morir, puede ilustrar con claridad cómo se relaciona el escultor con su obra.

Despojado de todo artificio, Francis Viña no quiere ocultar ni ocultarse quién es y cómo aprendió a trabajar la madera. Y ese acto de honestidad recorre, a mi juicio, todo su trabajo creativo, marcado por continuos referentes de su experiencia íntima. Su obra está impregnada de las jornadas de trabajo junto a su padre y de la naturaleza voraz del Norte de Tenerife.

A esas referencias se han sumado sus años de experiencia como profesor de escultura en la Facultad de Bellas Artes y su incansable estudio de la madera, el material que considera su “referente de creación”. Su tesis doctoral, Investigación de la estructura de la madera y del arte escultórico fue un acercamiento al mundo microscópico de la madera, un verdadero estudio anatómico que le permitió descubrir los distintos tejidos que se mezclan para crear la variedad de especies o el mundo celular de la madera, complejo y organizado.

Para comenzar a crear, el escultor sale al monte y recoge con la paciencia de un concienzudo botánico ramas, hojas, semillas y trozos de madera que guarda en cajas en el taller. De ese material, sencillo y rudimentario, surge toda su obra, con la que ha ido trazando una especie de biografía del entorno vegetal.

La Galería Fleming, en el Puerto de la Cruz, muestra del 19 de noviembre al 10 de diciembre su nueva exposición, Primordio. Es una selección de la obra de sus últimos cuatro años, un relato detallado de la potencia vegetal que lo rodea, un ejercicio minucioso de desentrañamiento que él mismo denomina “observación precisa” de la naturaleza.

De su primer viaje por ese mundo interno y oculto surgió Ensayo sobre Xilema. En esta exposición de 2006 Francis Viña presentó unas obras inspiradas en ese universo microscópico del material. Los veteados de la madera, de poro difuso, aliforme confluente, las traqueidas que cambian la dureza del tejido según la estación del año… ese universo vegetal privado al ojo humano es reproducido en estas obras, realizadas en moral, cupreso, cedro o aguacatero.

Son obras abstractas que al crítico Celestino Hernández le recuerdan a las piezas del precursor de la escultura abstracta catalana, Leandre Cristòfol, o más cerca, a los últimos trabajos de los canarios Gonzalo González y Pedro Rodríguez.

En las exposiciones Gestos y geometrías y en El vuelo de la semilla (las dos de 2008), el escultor sigue indagando en la madera y el árbol en un recorrido desde el interior al exterior. Le interesa explorar la idea de “ciclo infinito” contenida en una semilla, pero también la idea de vacío y sombra en la escultura.

Las maderas de cedro, utile, eucalipto rojo o cupreso son utilizadas para crear estas semillas que anticipan un ciclo vital inextinguible. “Semilla hibernada que espera las condiciones justas para desarrollar su propio ser”, escribió el propio escultor a propósito de El vuelo de la semilla.

En su siguiente exposición, Antesala, el escultor va más allá. Si en las anteriores muestras “se trataba de que reflexionáramos sobre las potencialidades del vacío. Ahora el vacío busca ordenar las cosas en la antesala de la creación”, explica el crítico Alberto Omar Walls.

En Antesala, el artista analiza el prodigio de las formas geométricas que la naturaleza repite y juega con las posibilidades que le sugiere el uso de la vesica piscis, uno de los símbolos con mayor carga mitológica en la tradición religiosa, íntimamente relacionado además con la idea de nacimiento de la vida.

Por primera vez introduce elementos de la figura humana, entreverados con su universo vegetal. Son piezas como Díada humerbal, Portojal y Mi teta en el altar. También crea obras con algún mecanismo cinético que obliga al espectador a tocar y manipular. Son piezas como Modulador frontal de Mirtáceas, Mandorlador y Generador MG.

Como final de etapa las tres nuevas obras que presenta en Primordio, en alusión a originario o primario. La tierra y la semilla como imagen de ese “ciclo infinito” de la vida que Viña quiere atrapar en su obra.

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María Luisa Pedrós.

Carla C. León

2010-10-22T07:02:00.000-07:00

ODE TO YOUTH

REFRESH, Brigitte Fassin

2010-09-24T15:24:00.000-07:00

REFRESH

Refrescarse en momentos de estancamiento ayuda a seguir adelante y a renovarse.

Ya decía Heráclito de Éfeso que “el cambio es lo único que permanece inmutable”.

El proyecto Refresh incluye por un lado una serie de opulentas “naturalezas muertas” neo pop que nos refrescan por dentro.

Por otro lado nos lleva a tomar un chapuzón a la piscina o a la playa para refrescarnos por fuera.

En suma: El mundo banal del bienestar.

¡No hay crítica!

¡No hay dolor!

Brigitte Fassin

Fotografías

Lucía Bencomo Cruz

2010-08-27T04:24:00.000-07:00

EL ETERNO RETORNO

La luz instantánea manifiesta continuamente la nostalgia de esa morada perdida: la tierra se ha abierto y, en ese momento crítico que es, a la vez, un abrasamiento momentáneo de luz, lo inexpresable se revela poéticamente como aquello que quiebra el discurso mismo, como lo que impone el tenso silencio del aura.

Andrej A. Tarkovskij

El punctum es una especie de sutil más allá del campo, como si la imagen lanzase el deseo más allá de lo que ella misma muestra.

Roland Barthes

Un actor, una cámara dialogan con el paisaje dispuestos a redescubrir aquel lugar al que los ha llevado una foto encontrada. Es esa imagen la que marca el punto de partida y la que alumbrará todo el camino. El sentimiento de ausencia que genera una foto encontrada llevará de retorno al sujeto, y será allí en aquel mismo lugar donde se busque y se pierda como ante la promesa eternamente diferida de una manifestación esencial, no es otra que el resplandor mismo de la figura invocada, rememorada y para siempre perdida de aquella persona.

Sin embargo la acción de retornar, de regresar al lugar de la imagen encontrada, nos confronta con el cambio, el paso del tiempo, el campo ciego de la fotografía se descubre entonces, para mostrarnos que aquel lugar invocado y recordado ya no es lo que era, la niebla se comporta como una especie de veladura o de catarata que nos impide casi reconocer el lugar.

Lucía Bencomo

Adrián Lee Mclean

2010-06-27T17:18:00.000-07:00

Adrián Martínez

2010-06-01T19:52:00.000-07:00

Fleming4 Sala de Arte supera este mes de mayo su primera fase de crecimiento, una etapa que le ha permitido acoger la obra y trayectoria de un importante elenco de artistas en un amplio espectro creativo y profundizar en su objetivo principal – proponer y construir un espacio de creación – para madurar en sus propuestas el equipo de trabajo, instituido desde el compromiso de distintas/os profesionales, se ha renovado con la incorporación de dos jóvenes creadores y gestores, Adrián Lee Mclean y Lucía Bencomo Cruz, cuya ambición es hacer de éste un espacio para la difusión del arte joven. Para ello han realizado una selección de artistas en la que la nueva generación de creadores/as son los principales protagonistas, respaldada con el empuje y la energía de artistas y precursores con una dilatada y distinguida trayectoria.

Una renovación que incluye el diseño de su imagen, expresión y comunicación social, así como una firme apuesta por una nueva estética con la transformación de logotipos, cartelería y soportes publicitarios, formulados por un joven estudiante de diseño, Cristian Sánchez, que ha fusionado los aspectos físicos y conceptuales para proyectar una nueva identidad visual corporativa.

La nueva temporada comienza el 4 de junio, con la inauguración de la exposición PARAISOS ARTIFICIALES de Adrián Martínez, creador que aborda en esta proposición la visión/ilusión de las islas como mundos idílicos desde técnicas tan variadas como la pintura o la instalación con hilos.

Nueva imagen

2010-05-19T08:50:00.000-07:00

Alicia Martin

2010-05-02T04:32:00.000-07:00

El Jardín Interior

Laura Baute Sanjuan

2010-04-02T08:47:00.000-07:00

Escenarios

PARA VER FOTOGRAFÍAS DE LA INAUGURACIÓN HAGA CLICK AQUÍ.

¿Cómo fueron tus comienzos?

¿Mis comienzos? Es una pregunta difícil, aunque de fácil respuesta.., no hubo un comienzo concreto, quizás comenzó desde el día en que mis ojos se abrieron al mundo de tal manera que deseaba captar lo que me rodeaba alrededor.

¿Qué es para ti la fotografía?

Es mi ojo, solo que mecanizado.

¿Quiénes son tus referentes en el mundo artístico? ¿qué influencias has tenido?

Arriba en el pódium se alza Robert Doisneau, al lado podríamos encontrar a Jacques Henri Largigue, Brassai, Keith Loutit.., este último un gran descubrimiento.
Me influye su manera de observar el mundo, y en algunos la técnica, aunque en mis resultados nada de ellos se aprecia en mi obra, quizás un poco más Keith Loutit.

Sobre tu obra fotográfica “Escenarios”, ¿podrías hablarnos un poco sobre ella?

La obra no tiene muchos secretos, muestro el mundo en sí, pero lo saco de contexto, para invitar al espectador a ver el mundo que le rodea, no hay nada exótico en las fotos, son lugares muy comunes, que pasamos continuamente, incluso algunos, bastante siniestros por su oscuridad. Yo los extraigo y los muestro nuevamente, para que la visión del espectador revalore el entorno en el que continuamente se mueve.

¿Tienes en mente algún nuevo proyecto o seguirás trabajando con “Escenarios”?

Seguiré trabajando en escenarios, e investigaré más aún en las nuevas técnicas.
También comenzaré otros proyectos que se salgan de los espacios urbanos, introduciéndome también en las personas, pero no en los retratos, aún tendré que definirlo bien, pero mi objetivo no es quedarme parada.

¿Nos podrías comentar un poco tu método de trabajo? Como surgen las primeras ideas, bocetos, etc.

Muchas ideas se me ocurren mientras duermo, o cuando estoy cansada...pienso en ellas pero se me olvidan al poco tiempo, intento apuntarlas pero también se me olvida, aunque vuelven ciertas veces y me pongo a trabajar en ellas.
Lo cierto es que suelo realizar pocos bocetos, trabajo en la idea y a medida que trabajo en ella van surgiendo nuevas cosas, desechando otras, corro el riesgo de realizar un trabajo que finalmente no me gusta y comenzar de nuevo..no es un buen método, pero bueno, las malas costumbres no cambian.

Carmen Marcuello

2010-03-14T17:26:00.000-07:00

¿Que te juegas?

Yuio Artes Visuales

2010-02-08T16:16:00.000-08:00

Habitantes de Salón

¿Cómo fueron tus comienzos?

“El camino artístico que llevo desde que era niño hasta ahora no ha cambiado mucho en realidad. Crear para autosatisfacerme. La diferencia radica en que cuando creces parece que todo se ha de volver serio y ordenado y ahí está el error, se pierde frescura.

Mis comienzos expositivos fueron en pubs de la Orotava, posteriormente me uní a la Asociación Artística Chimisay del Puerto de la Cruz varios años hasta crear una asociación de jóvenes artistas de la Orotava llamada Arpla.”

¿Quiénes son tus referentes en el mundo artístico? ¿qué influencias has tenido?

“Son muy variados. De niño estuve influenciado por el cine de ciencia ficción de los ´80 ( Poltergeist, Regreso al futuro,…), series de animación japonesa ( Marco, Los caballeros del zodiaco,..), americana ( Hanna barbera, Warner, Disney,…) y comics de todos los estilos. Esto me ha marcado para siempre.

Ya de mayor mis mayores referentes son artistas consagrados de la talla de Dongwook Lee, Jeff Koons, Patricia Piccinnini, Takashi Murakami, Norman Rockwell,… y últimamente todo el mundo del diseño de Toys.”

Sobre tu obra “Habitantes de Salón”, me parece que reflejas sensaciones bastante cercanas a nuestra infancia, a esos lugares donde perderse con la imaginación, donde construir ese mundo que anhelamos, y tu lo materializas, ese mundo, por el que todos , creo, hemos paseado alguna vez. ¿Es cierto esto?

“Así es en cierto modo. Lo que realmente quiero expresar con mis obras es la fusión de los dos mundos, el infantil y el adulto. Que no haya un punto de transición. Son obras sin limitaciones de moralidad o creatividad, con un cierto toque de ironía, las cuales se desarrollan en un espacio tan cercano como el calor del hogar.”

¿Habitantes de salón es un proyecto en el que seguirás trabajando? ¿Tienes de momento otras ideas o proyectos?

“Siempre tengo obras en espera de ser creadas, es un poco agobiante porque me estresa el no poder verlas materializas. Ahora estoy metido con una serie de esculturas llamada Goodbye Kitty. Puede que más adelante continúe con Habitantes de Salón pero de momento estoy satisfecho con esta colección.”

¿Nos podrías comentar un poco tu método de trabajo? Como surgen las primeras ideas, bocetos, etc.

“Las ideas suelen llegar espontáneamente en el momento menos pensado, por ello siempre llevo encima una libretita para apuntarlas y hacer bocetos. Luego viene la parte de buscar los materiales que mejor se amolden a la idea y posteriormente la creación. Esta suele durar desde unos pocos minutos hasta varios días según la obra.”

Hossein Ghavaedy

2010-01-15T17:17:00.000-08:00

Geografía Humana

arte a 100

2009-12-19T12:02:00.000-08:00

ayoze jiménez
davinia j. gopar
carmen marcuello
miguel ángel bethencourt
esther dellaventur
yuio artes visuales
julia mª martín
víctor pacheco
iván ferrer
pissoca

Coincidiendo con las fiestas de Navidad, la sala de exposiciones Fleming 4 propone su particular mercadillo navideño bajo el título de arte a 100. Se trata de la primera edición de una propuesta que pretende acercar al público a trabajos de arte originales a precios asequibles, que en ningún caso superan los 100 euros.
La muestra, en la que participan 10 creadores, reúne una gran variedad de obras plásticas que abarca pintura, dibujo, grabado y escultura. El colectivo de artistas participantes está compuesto por:ayoze jiménez, davinia j. gopar, carmen marcuello, miguel ángel bethencourt, esther dellaventura, yuio artes visuales, julia mª martín, víctor pacheco, iván ferrer, pissoca
Cabe señalar que muchos han sido premiados en certámenes artísticos recientes y que cuentan con una importante trayectoria expositiva, tanto individual como colectiva.
Estamos seguros de que se trata de una buena oportunidad para regalar arte estas navidades, tanto para aquellos que experimentan sus primeros contactos con la creación artística como para los amantes del arte que valoran el tener a su disposición una amplia variedad de obras dentro del contexto de una exposición de arte contemporáneodavid méndez

iván ferrer

pissoca

yuio artes visuales

carmen marcuello

esther dellaventura

julia mª martín

ayoze jiménez

davinia j. gopar

david méndez

miguel ángel bethencourt

victor pacheco

CRUZARTE

2009-11-20T12:25:00.000-08:00

VICTOR GONZÁLEZ GUILLAMA
TAMARA SERAFÍN ASCANIO
VIOLETA CALVO ANDRÉS
LUIS M. PÉREZ GONZÁLEZ
JOSÉ M. MARTÍN GULLERMO
TARA SARMIENTO LÓPEZ
VERONICA ACÓSTA

david méndez

2009-10-24T05:48:00.000-07:00

“primitivo en el círculo”

Se empezaron a construir sin que aparentemente lo pareciera; fue un juego con la sustancia pictórica en su evolución que produjo imágenes que surgieron por una cuestión interna de la pintura, desvelando una poesía primaria, alguna parte de mi. No eran necesariamente pinturas abstractas, pero sí que las percibí como una realidad en continuo movimiento, transformaciones, realidades cambiando…y esto llevaba implícito un cierto grado de abstracción que las convertía en pinturas cargadas de misterio.

En algún momento me dejé llevar y procedí sin pararme demasiado a pensar que estaba haciendo y me gustó, porque saboreé la pintura y el acto de pintar como una ensoñación, comprendí que esto convierte a los pintores en soñadores, pudiendo así acceder a otros mundos, a otras realidades, realidades no conocidas, inexperimentadas. Pero ese aparente desapego, esa confusión deliberada era solo el desarrollo de una sensibilidad guiada por principios ordenadores de formas, gestos espontáneos y esenciales que eran en definitiva, ficciones de naturalidad… entonces ¿hasta que punto somos naturales? Seguimos siendo animales racionales, sin embargo, todavía podemos agudizar nuestros sentidos, perder un poco la cabeza y descubrir que hay otras realidades que son esta misma realidad, realidades a las que no alcanza la razón ¿todavía? No lo sé, pero mientras tanto seguiré soñando.

davinia j. gopar

2009-09-23T04:24:00.001-07:00

LOS MEDIOS DEL BUEN ENCAUZAMIENTO.

Walhausen, en los albores del siglo XVII, hablaba de la "recta disciplina" como de un arte del "buen encauzamiento de la conducta". El poder disciplinario, en efecto, es un poder que, en lugar de sacar y retirar, tiene como función principal la de "enderezar conductas"; o sin duda, de hacer esto para retirar mejor y sacar más. No encadena las fuerzas para reducirlas; lo hace de manera que a la vez pueda multiplicarlas y usarlas. En lugar de plegar uniformemente y en masa todo lo que le está sometido, separa, analiza, diferencia, lleva sus procedimientos de descomposición hasta las singularidades necesarias y suficientes. "Encauza" las multitudes móviles, confusas, inútiles de cuerpos y de fuerzas en una multiplicidad de elementos individuales_ pequeñas células separadas, autonomías orgánicas, identidades y continuidades genéticas, segmentos combinatorios. La disciplina "fabrica" individuos; es la técnica específica de un poder que se da a los individuos a la vez como objetos e instrumentos de su ejercicio. No es un poder triunfante que a partir de su propio exceso pueda fiarse de su superpotencia; es un poder modesto, suspicaz, que funciona según el modelo de una economía calculada pero permanente. Humildes modalidades, procedimientos menores, si se comparan con los rituales majestuosos de la soberanía o con los grandes aparatos del Estado. Y son ellos precisamente los que van a invadir poco a poco esas formas mayores, a modificar sus mecanismos y a imponer sus procedimientos. El éxito del poder disciplinario se debe sin duda al uso de instrumentos simples: la inspección jerárquica, la sanción normalizadora y su combinación en un procedimiento que le es específico: el examen.
Michel Foucault. “Vigilar y castigar”. Nacimiento de la prisión.

adassa santana

2009-08-27T04:20:00.000-07:00

Le Petite Salle es una narración de las relaciones de poder y bio-poder, donde el sujeto intenta gobernar una identidad con la que pueda relacionarse en una sociedad de consumo, de medio de masas y estructuras de poder; en una línea de resistencia y reflexión, como indica Foucault. Quien aboga por lo local, lo minoritario, por un espacio de reflexión y crítica, donde se opera y se reivindican las prácticas sociales.

punta brava: ayer y hoy

2009-08-24T12:52:00.000-07:00